La Gran Evasión

La Gran Evasión

jueves, 19 de enero de 2023

389 - El Amigo Americano - Wim Wenders 1977

 Antes de cruzar el charco rumbo a Hollywood, Wim Wenders adaptó con brillantez el tercer libro de los que dedicó Patricia Highsmith a Tom Ripley. Este amigo americano tiene hechuras de cowboy, Dennis Hopper pasea su sombrero por un Hamburgo gris, portuario y frío. La otra cara de la moneda, Zimmerman – Bruno Ganz- sabe que tiene los días contados, el honrado hasta entonces dueño de una tienda de marcos atisba la oportunidad de dejar una importante cantidad de dinero a su familia, se trata de un encargo, es el juego de Ripley, un marchante de arte de ojos penetrantes. Aún habrá otro otro tipo llamado Minot – Gérard Blain-.  Dos extraños de pronto en su apacible existencia. Zimmerman debe aprender a matar. 

El vínculo cada vez más estrecho entre el ciudadano alemán y el forastero americano desconcierta a la esposa – Lisa Kreuzer-, un recelo comprensible ante las extrañas apariciones de un vaquero con Polaroid. El padre de familia rompe uno de sus marcos en un gesto furioso, está asustado, no es un asesino, sencillamente no sabe controlar el maremágnum en que se ha metido. El espectador va sintiendo esa misma inquietud e intenta atar cabos.

Zimmerman mira a los ojos a su víctima en el metro de París, un asesino a sueldo en su primer trabajo. Nicholas Ray, Sam Fuller, Jean Eustache, y otros cineastas irán haciendo acto de presencia a lo largo del film. Ray también estaba gravemente enfermo, pero de verdad, estremece con sus ademanes de galápago pintor, un muerto en vida confinado. Ripley hace creer al mundo que el pintor ya está muerto para que sus cuadros sean más valiosos. 

Los acontecimientos se desglosan en un montaje hábil, la excelente forma de rodar de Wenders y su colaborador Robby Müller , los trávelins, los picados, los planos fluyen con dinamismo. La banda sonora de Jürgen Knieper recuerda el suspense del Bernard Herrman de Psicosis o Con la muerte en los talones en las escenas de los crímenes, perfectamente hiladas.  

Esta noche nos dirigimos hacia la playa en una ambulancia…

Salvador Limón, David Velázquez. Raúl Gallego y Zacarías Cotán 

 

 


















jueves, 12 de enero de 2023

388 - Cold War - Pawel Pawlikowski 2018

La pasión en la Polonia de posguerra. Un hombre y una mujer, un intelectual y una campesina, dos corazones lloran porque no pueden encontrarse. Así canta una cría la pieza tradicional polaca, leitmotiv que va sonando en diversas variaciones a lo largo de la historia. 

Mediante una brillante sucesión de elipsis, el músico y la cantante cruzan sus vidas en diferentes momentos y lugares a ambos lados del telón de acero. Dos personas dañadas por la destrucción de la contienda reciente, y por su propia guerra interior, sin apenas concesiones, a base de besos, alcohol y desplantes. Se aman y no saben hacerlo, una tendencia fatal marca sus destinos.

La plasticidad de un blanco y negro excelente, los aires grises de una época uniforme, de un régimen totalitario que modifica las letras de las canciones tradicionales para nombrar las bondades del maravilloso Stalin. Pawlikowski y su operador Lukasz Zal , con quien repetía tras la magnífica "Ida", consiguen el clasicismo del buen cine, el de Fritz Lang, el de Fellini, el de Billy Wilder. Paseamos por las calles lluviosas de París, navegamos por un Sena misterioso, nos tendemos sobre los pastos verdes junto al Vístula, sentimos el olor estanco de una celda del gulag, y, en un monasterio derruido, con un mural desvaído, ojos de icono contemplan la nostalgia de Tarkovski. 

Un pianista y una cantante en su ceremonia de renuncia, al otro lado se verá todo mejor. 

Esta noche esperamos en un garito de París…

Chari Medina, David Velázquez. Salvador Limón, Raúl Gallego y Zacarías Cotán 


 

 




















sábado, 31 de diciembre de 2022

387 - Las Invasiones Bárbaras - Denys Arcand 2003

 Denys Arcand nos trajo los últimos días de un profesor universitario  -formidable Rémy Girard- con un cáncer agresivo, desde un enfoque ágil, con un tono espontáneo, exento de ñoñería, y con mucho amor a la vida a pesar de lo que se cuenta. 

Las invasiones bárbaras continúan la idea de su predecesora, El declive del Imperio Americano, en varias vertientes. Se alude al atentado de las Torres Gemelas y el ataque al corazón mismo del capitalismo. Nos digitalizamos a marchas forzadas, pasamos de los libros en papel a los portátiles, los templos se convierten en centros comerciales y los pasillos de los hospitales rebosan de enfermos sin habitación, la humanidad se va a la mierda,  ¿o no? Quizá sean las generaciones del 68 y posteriores las que se están anquilosando. El desengaño de Remy y su círculo de amistades, burgueses intelectuales que practicaron todos los ismos, el marxismo, el troskismo, el situacionismo, el estructuralismo... Rémy se muere y no ha comprendido nada, y al que menos a su triunfador hijo, que en un postrer acercamiento pondrá todo de su parte para que su padre sufra lo menos posible. Aún así, al fin habrá una reconciliación y unos de los momentos del film, el progenitor le agradezca los cuidados a base de talonario, “te deseo un hijo tan bueno como tú”.

El film cobra interés con un personaje bisagra como Nathalie, la atípica yonki, demasiado tersa y bella para una drogadicta, (Marie-Josée Croze, premiada en Cannes como mejor actriz), se adivina una atracción entre ambos imposible. La llama su ángel de la guardia, dadora de una muerte dulce que le hará cabalgar el dragón.  

Esta noche nos reunimos alrededor de Remy en las inmediaciones del lago…

Chari Medina, José Miguel Moreno, Raúl Gallego y Zacarías Cotán 

 
 


















viernes, 23 de diciembre de 2022

386 - Julio César - Joseph Leo Mankiewicz 1953

 “Et tu Brute? Muere entonces, César”

Tras la intriga de espionaje “Operación Cicerón, Mankiewicz, auspiciado por el productor John Houseman, transpone al medio fílmico ”Julio César”,  la tragedia romana de Shakespeare, sobre la lucha encarnecida por el poder en el año 44 antes de Cristo, el magnicidio de Julio César por los conspiradores Brutus, Cassius y compañía.

Con un triunvirato de intérpretes de altura, James Mason, Brutus, el más complejo, el conspirador con más dudas, dado que antepone el interés general de Roma a su lealtad al dictador, un joven Marhlon Brando, el animal más bello y dramático, el sudoroso Marco Antonio clama venganza ante la plebe, aunque Brutus sea un hombre honrado, y John Gielgud, actor shakesperiano por antonomasia, declamando los versos libres del ladino Cassio.  César es el aguileño Louis Calhern, con sus ademanes egregios, su soberbia, sorda a los avisos del vidente ciego y de su propia esposa Calpurnia - Greer Garson-. Ten cuidado con los Idus de Marzo, aun no han acabado los fastos.    

Con una aparente fidelidad al texto original, suprimiendo algunas partes como intervenciones de Casca -Edmon O´Brien- y Casio, y la omisión de alguna escena. Mankiewicz, que procede del teatro, lleva esta obra sobre el poder y el conflicto personal y político a su terreno, con la fotografía en un fino blanco y negro de Joseph Ruttenberg, más dramático y honesto que el Technicolor por el que apostaba el estudio. Momentos climáticos quedan en la memoria, la muerte de un César sangrante, acuchillado por los senadores ante la estatua de Pompeyo, los dos discursos consecutivos de Brutus y Marco Antonio en la escalinata, la asustada Porcia,  rogando a Brutus que le diga la verdad. 

Esta noche repetimos que Brutus es un hombre honrado…

Chari Medina, David Velázquez. Raúl Gallego y Zacarías Cotán 





domingo, 4 de diciembre de 2022

385 - Especial SEFF 2022 19º Festival de Cine Europeo de Sevilla

 













Dedicamos nuestro ya clásico especial al Festival de Cine Europeo de Sevilla, en su edición número 19. Vuelve al programa su fundador, José Miguel Moreno, tras un tiempo de ausencia, contamos con la inestimable compañía del programador principal del Festival, Javier H Estrada, y Raúl Gallego presenta y opina también  sobre lo que pudo ver en esta cita con el cine en la capital de Andalucía.

Realizamos una retrospectiva de las secciones del Festival en esta edición triunfal y repleta de público, y recordamos la pérdida inesperada de uno de los colaboradores más queridos del equipo del Festival. El programador de la sección Panorama andaluz, crítico y poeta, Juan Antonio Bermúdez.

 
 



Palmarés del Festival SEFF 2022:

SECCIÓN OFICIAL

Giraldillo de Oro a la mejor película: 'Saint Omer' de Alice Diop
Gran premio del jurado: Ex aequo para 'Close' de Lukas Dhont y 'Fogo-fátuo' de João Pedro Rodrigues
Premio a la mejor dirección: Pietro Marcello por 'Scarlet'
Premio al mejor actor: Eden Dambrine por 'Close'
Premio a la mejor actriz: Ex aequo para Julie Ledru por 'Rodeo' y Zar Amir Ebrahimi por 'Holy Spider'
Premio al mejor guion: Alice Diop, Amrita David y Marie Ndiaye por 'Saint Omer'
Premio al mejor montaje: Géraldine Mangenot por 'Los hijos de otros'
Premio a la mejor fotografía: Mauro Herce por 'Matadero'

LAS NUEVAS OLAS

Premio a la mejor película de Las Nuevas Olas: 'Aftersun' de Charlotte Wells
Premio a la mejor película de Las Nuevas Olas No Ficción: 'Viagem ao sol' de Susana de Sousa Dias y Ansgar Schaefer
Premio Especial Las Nuevas Olas: 'A noiva' de Sérgio Tréfaut

REVOLUCIONES PERMANENTES

Premio a la mejor película de Revoluciones Permanentes: 'Afterwater' de Dane Komlijen

PANORAMA ANDALUZ

Premio a la mejor película: 'Como ardilla en el agua' de Mayte Gómez Molina y Mayte Molina Romero
Premio Rosario Valpuesta al mejor cortometraje: 'Mothertruckers' de Paula Romero
Premio Rosario Valpuesta a la contribución técnico-artística: 'Menudo viaje. El sueño torcido del arte contemporáneo' de María Cañas

PREMIOS DEL PÚBLICO

Premio del público de la sección Historias Extraordinarias: 'Blue Jean' de Georgia Oakley
Gran Premio del público a la mejor película de Selección EFA: 'Tori y Lokita' de Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne

OTROS PREMIOS

Premio AC/E (Acción Cultural Española) a la mejor dirección de película española: Carlos Pardo Ros (H)
Premio a la mejor dirección de primer o segundo largometraje europeo: Nikola Spasić (Christina)
Premio Cinéfilos del Futuro: 'Rodeo' de Lola Quivoron
Premio Europa Junior: 'Las vacaciones de Yoko' de Juanjo Elordi
Premio ASECAN a la mejor película de la Sección Oficial: 'Siete Jereles' de Pedro G. Romero y Gonzalo García-Pelayo
Premio Ocaña a la Libertad: 'Skin Deep' de Alex Schaad
Premio AAMMA Women in Focus: 'Blue Jean' de Georgia Oakley
XV Premio Europeo de Cine-Guion Cinematográfico Universidad de Sevilla en categoría de Ficción: 'En recuerdo de Lupi' de Silvia Mares García
XV Premio Europeo de Cine-Guion Cinematográfico Universidad de Sevilla en categoría de No Ficción: 'Erosión' de Jesús Minchón


Saint Omer
Alice Diop
Sección Oficial

Alice Diop
"El problema con el infanticidio es que sigue siendo un gran tabú, quizás el único que existe en la actualidad. Es duro aceptarlo y es duro oírlo; ver a personas que han cometido ese delito. Por eso decidí hablar de este tema tan delicado y terrible a través de la ficción. O a través de Marguerite Duras [Rama da una clase sobre su trabajo en la película]. De esta manera, pude probar este lado oscuro de una mujer. " 

 "Esta película se basa en las palabras, pero con tantas palabras, también necesitas silencios" 

" El protagonista de la película es el espectador, que es llevado a vivir una experiencia en un juicio de lo penal, dónde la cuestión central es la maternidad, el misterio del acusado"





Close
Lukas Dhont
Sección Oficial

Lukas Dhont
"El tema central de la película es la amistad. Es la historia de dos chicos de 13 años, Léo y Rémy, que son mejores amigos desde siempre. Un día, un acontecimiento inesperado cambiará todo para ellos, transformará sus vidas, y pondrá en duda su amistad. En efecto, se trata de una película muy personal, aunque pienso que es una experiencia universal, ya que todos y todas hemos conocido amistades que han evolucionado a lo largo de los años."
"Quería crear imágenes que mostraran una intimidad real, y una ternura verdadera entre dos chicos. Vivimos en un mundo donde hay muchas imágenes de hombres que tienen relaciones violentas entre ellos, que parecen desconectados de su fragilidad. Quería crear momentos de ternura en un universo masculino."






Fuego Fatuo 
João Pedro Rodrigues 
Sección Oficial

João Pedro Rodrigues 

"Quería hacer una película divertida y corta, porque creo que mucho cine de autor de hoy en día es muy largo y muy aburrido"

"Quería hacer una película que jugara con muchas elipsis. Al mismo tiempo, lo que siempre intento en la narración, es elegir los momentos de la historia que la hacen avanzar. En este caso me gustaba la idea de que fuera hacia adelante y hacia atrás, algo que nunca había hecho. Así que utilicé el recurso clásico del flashback, y también el de alguien que espera la muerte y recuerda su vida y su primer amor."








Holy Spider
Ali Abbasi
Sección Oficial
Ali Abbasi:
 "No puedo entrar en Irán. Cuando nos denegaron la autorización para grabar en Irán, nos fuimos a Turquía, pero después de la presión de Irán, los turcos nos echaron. Grabamos en Jordania, y volvieron a ponerse en contacto, solicitando ver la película “para evitar posibles consecuencias”. Les dije: “Por supuesto, si queréis venir a verla a Alemania, sois bienvenidos”. Respondieron: “Eso es complicado, ¿podríamos reunirnos y verla en Turquía?”. Les dije: “Sí claro, ¿y así podéis aprovechar para secuestrarme, verdad? Gracias, pero no”.
 “Si lo sitúas en ese contexto, es como, OK, tienes una fuerza policial con poco personal que se ocupa de todo esto, por lo que a nadie le importa una mierda que algunas prostitutas callejeras sean asesinadas”.







Leonora Addio
Paolo Taviani
Sección Oficial

Paolo Tavianiç

“A mi hermano y a mí siempre nos fascinó el trágico funeral de Pirandello. Quisimos hacer la película juntos hace años. En ese momento no fue posible, pero durante la realización siempre estuvo a mi lado”.

"Me metí en este proyecto acompañado por el aliento de Vittorio, y todavía sigue a mi lado. Documenté hechos reales de esa historia e inventé la narrativa, incluido lo que sucede en el tren. Me sumergí en las verdades de Pirandello, en las mías y en la fantasía."

"Me pregunté: ¿Quién desea todo este mal que nos rodea? ¿Es deliberado? Sentía que esta historia escrita por Pirandello en el pasado era parte del presente, parte de la pandemia."





Forever Young
Valeria Bruni Tedeschi
Sección Oficial
Valeria Bruni Tedeschi

"La escuela de interpretación fue un capítulo fundamental para mí, tanto en mi trabajo como en mi vida”, dijo. “La gente que conocí allí y las experiencias que viví dejaron una profunda huella en mí hasta el día de hoy”.

"Traté de profundizar emocionalmente durante el proceso de reconstrucción histórica, es decir, encontrar cosas que despertaran emociones en mí; la música, por ejemplo. Fue lo mismo para los decorados, porque no intentamos reproducir los años 80 a la perfección, e incluso hay algunos elementos modernos en la película".








Rodeo
Lola Quivoron
Sección Oficial

Lola Quivoron
"Este universo del “rodeo” es algo que descubrí hace 6 ó 7 años, y desde ahí que tengo una pasión por esta práctica. Esto viene de Au loin, Baltimore, mi primer cortometraje que tenía que ver con este universo. En ese momento estaba en la escuela de cine La Fémis, en París, haciendo mi película para graduarme y quería que esta fuera realmente cercana a la realidad"
"Hay otra visión sobre el mundo, una mirada espiritual, un elemento fantástico, en la película está. Es un personaje al cuál quería que se enfocara su integridad y subjetividad. Julia es una especie de combinación entre muchas cosas, pueden ser mis sueños, porque siempre sueño sobre este personaje, y quería que ella fuera una alma y en el final de la película se puede ver que es un alma, porque                                                                                esta es la mejor forma de representar la libertad."





Los hijos de otros
Rebeca Ziotowski
Sección oficial

Rebeca Ziotowski
"La protagonista se siente satisfecha con su vida, y cuando conoce a una nueva pareja, que tiene un hijo, experimenta nuevos deseos. Cuando llegas al final de tu fertilidad, cuando la elección se convierte en imposibilidad, crea nuevos deseos. No se trata de alguien que cambia de opinión. Es una persona que nunca se planteó la pregunta porque sentía que tenía toda la vida por delante. Pero la vida le dice que no."

"La pregunta durante toda la película es: “¿Qué tienes que enterrar para poder progresar?” Mi protagonista no soluciona su problema de orfandad, y por eso no puede ser madre. Pero es profesora, y al final, elige a hijos transitorios: sus alumnos."








Fairytale
Aleksandr Sokúrov
Sección oficial

"Los personajes son gente cruel, dura, pesada y no demasiado inteligente, y también son delincuentes. Y que ellos existan en el mismo espacio artístico, uno a uno, uno enfrente del otro, no es inocuo; es peligroso. Durante todo mi trabajo en la película estuve enfermo y el médico me dijo que en cuanto la acabase me sentiría mejor. En algún sentido es así. He terminado y, efectivamente, ahora me encuentro mejor. Por eso, ese sorprendente desfile de imágenes es una especie de compromiso autoexigido que sentí que debía desarrollar como si tuviese una balanza: en un plato están las ideas inmorales y antiestéticas de los personajes y en el otro hay destellos de cultura, de un mundo orgánico muy armónico. Pude encontrar inspiración en Hubert Robert y Doré y sus grabados, sin duda. Y también en los diseños y dibujos arquitectónicos consiguiendo generar una especie de homeostasis, de equilibrio. Si yo obligo a mi público durante hora y media a aguantar y a relacionarse con estos hombres malditos, pienso que debo compensarles enseñándoles algo fantástico, algo bello." (Aleksandr Sokurov)



Matadero
Santiago Fillol
Sección oficial

Santiago Fillol:
"El cineasta americano que protagoniza Matadero quiere rodar algo más real que toda representación real. Cuando su productor le dice que ya no hay más dinero para seguir rodando a gente matando vacas, él responde “The cows they die for real. The blood is real. If we don’t feel that, it doesn’t work” (“Las vacas mueren de verdad. La sangre es real. Si eso no se siente, no funciona”). Esta es una pulsión muy característica de los setenta. Coppola descuartizando un animal para alegorizar la matanza de Kurtz, diciendo “mi película no es sobre Vietnam, es Vietnam”. O Herzog empujando realmente a un montón de gente a empujar un barco por una montaña: no una representación, algo más grande, más real, que cualquier representación. Esa pulsión también estaba en los revolucionarios: tener una experiencia más real que cualquier vivencia, cambiar el mundo, marcar un antes y después; algo que fuese más allá de la muerte individual en nombre de una causa más importante. Sobre ese mecanismo tan profundo de una búsqueda de algo absoluto, de algo “bigger than life”, se entretejen y tensan los polos del cineasta y los militantes en Matadero. Ambos buscan ese “más allá” de toda representación, ese “más real que lo real”… Y esas búsquedas los conducen hacia la escena final del film que ambos van a rodar, trágicamente, con pulsiones semejantes e intenciones muy contrapuestas."

Vera
Tizza Covi, Rainer Frimmel
Sección oficial

Nos interesa la contradicción. Por un lado, Vera no está exenta de culpa por su imagen, debido a los programas de telerrealidad en los que participa; por otro lado, tiene una personalidad frágil. Es una contradicción que siempre buscamos en nuestros protagonistas. (Frimmel)

"El punto de partida fue su autobiografía [el libro Le bambine cattive diventano cieche]. En ella describe que recibió una herencia muy grande y que fue a caer en manos de las parejas erróneas. Pero al mismo tiempo dice que la culpa la tiene ella. Vera quería mantener a la gente cerca, y los colmó de dinero. Eso es lo que me fascina de Vera, que es capaz de reconocer esos mecanismos. (Cozzi)








L'envol
Pietro Marcello
Sección oficial

Pietro Marcello

"Para mi el relato de Alexander Grin es una historia muy actual, adaptada al tiempo actual." 

"Encontramos a Juliette Jouan en un casting a través de Internet, es una chica fuerte, con carácter."

"No creo en seguir el guion sin cambiar nada, necesito improvisar todo el tiempo."

"Esta granja, esta comunidad es rechazada por el pueblo, por esta razón los personajes necesitan apoyarse mutuamente."









Siete Jereles
Pedro G Romero, Gonzalo García Pelayo
Sección oficial

Pedro G Romero
"El trabajo de campo llevaba incorporado entender el Jerez que no conocía. Lo que siempre nos llama la atención a los aficionados es que Jerez es el único sitio donde la calle aporta una experiencia única, la calle como ese mundo del lumpen y los gitanos donde se construyó estéticamente lo que conocemos hoy como flamenco. El único sitio donde sigue vivo es en Jerez. Viene una persona por la calle, te canta unas seguiriyas y no es solo es que haya cantado, es que ha cantado de escándalo." 

"Alex Catalán, el director de fotografía, que es ajeno a este mundo, cuando vio a 'El Chusco' no daba crédito, no podía creer que existiera esa sensibilidad en plena calle. "







Aftersun
Charlotte Wells
Las nuevas olas

Charlotte Wells:
"El proyecto se alejó de algo más convencional, sea lo que sea que eso signifique, en historia y estructura, y se convirtió en otra cosa, en algo sobre la memoria. Y uno de esos elementos que perduró durante mucho tiempo fue una tensión dramática derivada de su relación. Y el arco convencional de esa relación, tal como me fue articulado, fue cuando comienza la historia, su relación es de alguna manera falsa y la tensión se acumula y hay una ruptura, y al final, la relación es repentinamente verdadera, Y justo en ese momento, me di cuenta de que era lo contrario de lo que quería que tratara esta película. Quería que esta fuera una relación que fuera verdadera desde el primer cuadro, que fuera una relación basada en la comprensión, el respeto y el amor, y eso no significa que no haya cierta tensión entre ellos en algunos puntos. La hay, pero no es la tensión principal de la película. Y a veces, cuando escuchas comentarios que no son lo que estás tratando de hacer, son más esclarecedores, porque al tener una reacción muy fuerte, deja en claro lo que es importante para ti."

"Hay unas imágenes grabadas de mí alrededor de esa edad. Estoy jugando al ajedrez con mi papá y su amigo, y a todos nos cortan a la altura de la clavícula. Así que solo se nos ve el cuerpo, pero no las cabezas. Y es completamente surrealista y totalmente banal. Mi papá y su amigo están teniendo una conversación sobre el trabajo. La música suena de fondo y son solo voces, y es muy extraño tener un registro de ese momento, y me encontré escribiéndolo en la película."

Nayola
José Miguel Ribeiro
Las Nuevas Olas

José Miguel Ribeiro
"La obra de Mia Couto y José Eduardo Agualusa trata de tres mujeres de la misma familia –la abuela, la madre y la nieta– y cómo sobreviven en un mundo que padeció un conflicto reciente: la guerra de Angola que terminó en 2002, mientras que la historia transcurre en 2011. Es el conflicto entre tres generaciones de una familia, tienen una perspectiva distinta de la guerra y de la posguerra, porque la nieta no la conoció. El conflicto humano es interesante porque todas se ven influenciadas, por ejemplo la abuela quiere proteger a la nieta, pero al mismo tiempo teme que sufra más. Este tipo de decisiones que a veces tomamos e impactan en los demás."

"Hubo mucho trabajo para adentrarnos, como conocer la historia de Angola, su evolución política, su sistema social. Angola es un país enorme, con muchas lenguas y poblaciones distintas, con muchas tribus… es todo un universo. Para entrar en ese universo y sentirme más cómodo para trabajarlo me tomó muchas lecturas, investigaciones en internet y videos, y búsquedas sobre la participación de las mujeres angoleñas en la guerra. Porque eso es algo muy particular, las mujeres siempre han estado conectadas con la guerra. Peleaban al lado de los hombres. La presencia de las mujeres en la guerra es algo normal, por eso si miras el parlamento hay mucha participación de mujeres, más incluso que en la mayoría de los países europeos. "

A Noiva
Sergio Trefaut
Las Nuevas Olas

Sergio Trefaut:
"Contrariamente a lo que muchos imaginan, lo que más justifica esta adhesión de los jóvenes a Daesh son los valores idealistas. Los jóvenes siempre se adhieren a las sectas más extremistas, convencidos de que están haciendo “el Bien”. Por eso, en Brasil, me río mucho de la expresión recurrente de que alguien es “de los buenos”. Para mí, no significa nada. Todos somos capaces de lo mejor y de lo peor".

"Es la intersección de varias historias reales, con algunos diálogos transcritos de la realidad. Las ubicaciones son lo más realistas posible. También hay escenas que acaban de salir de mi cabeza.  Con una extensa investigación de base, quería llevar al espectador a un lugar donde nunca había estado y convivir, sin juicio, con una chica que, por un lado, estaba asociada con los crímenes del Estado Islámico y, por otro, sigue siendo una joven de 20 años adolescente. ¿Está totalmente arrepentida? ¿No está? De lo único que estoy seguro es de que ahora está tratando de salvar su pellejo."



Safe Place 
Juraj Lerotic
Las nuevas olas

Juraj Lerotic:

"Los personajes nunca están en el mismo lugar; están constantemente en movimiento. De alguna manera, quería que el título viajara con ellos. Se cierne sobre la película, a veces como esperanza, a veces como burla. Me gusta el hecho de que es simple, pero también, en diálogo con la película, se vuelve ambiguo y elusivo."
"Una vez tuve el material sobre el que quería escribir, comencé a considerar una estructura dramática, una que reflejara y amplificara el contenido. Un evento traumático, una ruptura repentina en la vida cotidiana, una pérdida de control. Por eso la película, por un momento, sale de su sólido marco ficcional y se abre más hacia el meta-film. Así como la vida de los protagonistas se ve trastornada por el evento traumático, la película también se                                                                   ve trastornada por esta estrategia dramática"          
 



Skin Deep 
Alex Schaad
Las nuevas olas

Alex Schaad:
"Lo crucial fue que no queríamos rodar la clásica película de ciencia ficción en la que, por ejemplo, utilizáramos tecnología especial o que estuviera ambientada en un futuro próximo. Queríamos que la película tuviera algo de atemporal, queríamos darle el carácter de un cuento de hadas moderno. Pero, indudablemente, el lugar donde rodamos también influyó en la estética de la película."
"Debía tratar sobre las dificultades reales de cualquier relación. Por ejemplo, una de las cuestiones era si es posible mantener en pie una relación cuando una parte de ella sufre una gran transformación. ¿Seguimos siendo entonces "nosotros", un "nosotros", o somos un nuevo constructo con nuevas reglas y un nuevo reparto de poderes? Por supuesto, hemos utilizado esta herramienta en la película como medio para enseñarnos la empatía. Por suerte uno está capacitado para poder decir: "Por fin comprendo, intrínseca y sinceramente, qué sientes y cómo te sientes. "



La mala familia
Nacho A Villar, Luis Rojo
Las Nuevas olas

Nacho A Villar:
La película empieza hace hace cinco años a raíz de que a uno de nuestros colegas le llegó una notificación de un juicio con varios años de cárcel por un delito que había ocurrido hace seis años. Y claro, nos pilló por sorpresa a todos. La verdad es que fue un momento tenso, de bastante frustración, y a partir de todo esto empezamos a pensar en hacer una película del proceso y luego fue mutando a lo largo de los años.
Luis Rojo
"Antes que entrar en la distinción de si es documental o ficción, a nosotros nos gusta decir que es una película. Y dentro de esto es una película donde todo lo que sucede es real, donde ellos están siendo ellos mismos. Y nosotros sí que planteamos no tanto un guion sino una estructura de lo que queríamos abordar, de qué manera, dónde les dábamos a ellos libertad. Por ejemplo, no se escribían líneas de diálogo o planteábamos los temas de los que queríamos hablar y ellos se hacían cargo de la situación y la desarrollaban en sus propias palabras y en sus propios términos también."


The Kiev Trial
Sergei Loznitsa
Las nuevas olas

Loznitsa:
"Esta película está muy relacionada con Babi Yar. Context. Durante la ocupación nazi, no solo fue asesinada la población judía, sino también la ucraniana. La razón por la que Babi Yar. Context se hizo primero fue porque encontré el metraje cuando estaba investigando Babi Yar. Este juicio es muy importante para mi ciudad, aunque muchas personas ni siquiera sabían que se celebró."
"Tenía tres horas de metraje y solamente eliminé media. Primero, presenté a los ejecutores y a las personas que cometieron los delitos. La segunda parte son solo testigos. Lo adapté mostrando las “cosas suaves” antes de pasar al contenido más impactante. Así puedes mantener la atención de las personas. Porque después de algunas historias, ya no puedes mostrar otras. Tienes que prepararlo paso a paso. Luego está la dramaturgia de cada juicio: cómo empezó, cómo se desarrolló y cómo terminó con una sentencia. No pensaba que fuese posible poner otra cosa, como mostrar el crimen o los cuerpos. Para mí, no era necesario."



Naçao Valente
Carlos Conceição
Las nuevas olas

Carlos Conceição
"En Portugal, esta guerra contra la independencia de las colonias parece muy reciente. Es como una fantasma que todavía sigue ahí, el elefante en la habitación. Pero puede pasar fácilmente de ser un tabú, algo que la gente niega, a un asesinato real. El actor Bruno Candé fue asesinado en la calle por un anciano blanco que quería que “volviera a su país” [el asesino sirvió en el ejército durante la guerra de Angola]. Nunca esperas que estas personas actúen según su discurso retrógrado, pero lo único que necesitan es una oportunidad y eso ocurre."
"Pensé en la idea de la patria y siempre la vi como una diosa con forma de mujer. En la cultura portuguesa, y no es la única, existe la presencia de las mujeres como figuras matriarcales. Buscaba diferentes                                                                                               representaciones de eso en la película."






Afterwater
Dane Komlijen
Revoluciones Permanentes

Dane Komlijen

"La mayor influencia en el film fue Evelyn Hutchinson, un biólogo, profesor en Yale, fundó la limnología, la ciencia que estudia los lagos, encontré interesante de su obra que fue escrita en un tiempo en que no había una frontera clara entre el discurso científico y el artístico. ël estaba interesado en los lagos desde e enfoque científico pero también se interesaba en su presencia en la literatura, en la poesía, como la gente imagina los lagos, esto fue inspirador para nosotros. Queríamos crear ese espacio en que diferentes lenguajes y diálogos pueden ser traducidos y puestos en contacto"

"Al plasmar las imágenes queríamos transmitir diferentes espacios de tiempo, si empezábamos en el presente utilizábamos la cámara digital de hoy, y para el pasado nos decidimos por los 16 milímetros, para la parte del futuro filmamos con teléfonos, con gopros, con las máquinas más actuales que teníamos disponibles".




Hole in the head
Dean Kavanagh
Revoluciones permanentes

Dean Kavanagh:

“Fue una completa coincidencia, porque la historia se escribió unos años antes de la pandemia, pero siempre iba a ser una especie de pieza de cámara, una pieza de cámara que explotaba fuera del espacio. La parte más difícil es reunir a las personas en una habitación. Pero nadie tenía nada más que hacer. Además, las carreteras estaban muertas. Fue bastante aterrador. Nadie sabía nada. "
"Uno de los principales problemas cuando filmamos en zonas rurales fue la conexión wifi. Cuando las personas terminan su agenda del día, quieren comunicarse con su pareja, su familia o sus amigos. Y no pueden hacer eso. Tienen que subir una colina o tienen que caminar a una habitación diferente. Noté que esto sucedía. Fue algo extraño. Empecé a notar que la gente se estaba poniendo                                                                                  un poco nerviosa. Se estaban dando cuenta                                                                                           de que estaban en medio de la nada”.


Lucie loses her horse
Claude Schmitz
Revoluciones permanentes

Claude Schmitz

"Soy director de teatro. He estado dirigiendo obras de teatro durante 20 años y haciendo películas en paralelo durante unos diez. A menudo ha habido intersecciones entre estos proyectos. Esta mezcla de géneros es algo a lo que estoy acostumbrado. Creé un proyecto teatral llamado "Un royaume" para el Teatro de Liège. Esta obra ya cuenta la historia que vemos en la película, ofrece un ensueño sobre el oficio de ser actriz. Era antes del Covid, y queríamos presentar esa situación, un teatro abandonado y vacío en el que algo había pasado, pero que no sabemos exactamente"

"Son cosas que me interesan más en general. ¿Qué significa representar al mundo? Cuando los actores asumen esta tarea, ¿qué representa para ellos y para el público? Nos hacemos responsables del destino de los personajes, no necesariamente nos interpretamos a nosotros mismos y, sin embargo, ponemos mucho de nosotros mismos en ello. Hay otro tipo de ambigüedad en la película, con su cualidad ligeramente onírica."

Blue Jean
Georgia Oakley
Historias Extraordinarias

 Georgia Oakley:
"Mientras investigaba, me encontré con un artículo periodístico sobre las lesbianas que se habían arrojado en rápel desde el balcón de la galería pública de la Cámara de los Lores, en el debate sobre la Sección 28. Simplemente pensé que era una imagen increíble, y que claramente tenía que haber una película sobre eso. Entonces, ese fue el punto de partida. Pero siempre había que equilibrar el lado del activismo de las cosas y la historia de Jean, porque no quería contar una historia sobre la Sección 28 que ignorara los increíbles movimientos de represalia que tuvieron lugar y la positividad, si se pudiera llamar así... que surgió como resultado de esta horrible legislación. También estaba pensando en cómo esta ley habría afectado mi propia vida. Como alguien que nació en 1988, de repente me di cuenta de que había una razón muy clara por la que había crecido en el vacío cuando se trataba de modelos queer a seguir. Y al mismo tiempo estaba pensando en el efecto dominó en las generaciones más jóvenes y en las experiencias de los maestros que habían trabajado bajo la ley."



Plan 75
Chie Hayakawa
Historias extraordinarias

Chie Hayakawa:
"Quería que “Plan 75” se convirtiera en un film sobre la visión de Japón dentro de 10 años. El proyecto ómnibus fue básicamente una buena oportunidad para despegar. Pensé en él como una oportunidad para ver qué pasaba después, así que escribí la versión corta primero. Mis dos productores, Jason Gray y Eiko Mizuno Gray, que trabajaron conmigo en el cortometraje, inmediatamente me alentaron a extender la idea a un proyecto de largometraje"

"En mi corto, la visión del mundo está construida de una manera que se supone que te hace sentir muy asustado por la controversia del Plan 75. Y todo eso sucede durante el lapso de solo 18 minutos. Con el largo, no podíamos seguir así. Hay un enfoque en la naturaleza problemática del plan en sí, pero cuando comenzamos a trabajar en la película, experimentamos el coronavirus. Como resultado, la realidad extendió la ficción, saltó sobre nuestras fantasías distópicas y el mundo entró en un estado muy serio, que nadie anticipó. Con la pandemia progresando lentamente y volviéndose cada vez más severas, comencé a darme cuenta de que tal vez necesitaba hacer una película sobre la ansiedad que el mundo comenzó a inducir. En algún momento, mi película comenzó a ser una verdadera lucha para mí; No sabía cuál era el camino correcto para ello. Por un lado, pensé que quería abordar estas nociones de ansiedad, pero al mismo tiempo sentí que una visión tan pesimista no sería justa, así que decidí equilibrarla con una imagen de esperanza. Sentí que la esperanza es necesaria."

As Bestas
Rodrigo Sorogoyen
Selección EFA

Rodrigo Sorogoyen:

"Partiendo del localismo de una aldea llegamos a una exposición de temas universales como la xenofobia, o más que la xenofobia, la pertenencia a una tierra, a un sitio, que rechaza a quien no pertenece a ese lugar. Yo creo que son temas que se tocan porque la xenofobia también está porque yo estoy en mi territorio y venga quién venga de fuera ya me parece peligroso, ya me parece sospechoso, ya me incomoda; pero es porque creo que este sitio es mío y tú vienes de fuera. Para mí la xenofobia viene de ahí porque es el extranjero que viene a quitarme lo que es mío. Los dos temas se tocan mucho y era fundamental en la película, tanto la xenofobia como la pertenencia a la tierra, que era algo que lo teníamos escrito en la pared. Son cosas que pasan en tu barrio, en tu calle, tú la ensucias porque es tu calle, pero el de fuera no tiene derecho. Es un tema que me parecía curioso que alguien tenga más derecho a la tierra aunque el que venga de fuera intente cuidarla y revitalizarla.
"No nos gusta hacer películas de buenos y malos. Normalmente hacemos películas de malos para intentar entenderlos. Y no es que la gente sea mala. Yo puedo hacer algo horrible hoy, pero luego puedo hacer algo bueno mañana; en ese sentido, somos capaces de todo. Es lo que he dicho antes, cuando vemos a gente en las noticias que hace estas cosas nos preguntamos por qué lo hace; puedes tener un antidisturbios que es capaz de pegarle un porrazo a una señora y luego puede ser el padre más cariñoso del mundo. Eso me preocupa y me interesa. Y esta película no podía ser menos, donde hay un hecho tan bestia ya sabes que hay unos malos y unos buenos; en esa rápida colocación de roles lo importante es que los buenos no fueran idílicos y, sobre todo, estos malos, intentar entenderlos. Por eso hay una escena de diez minutos explicando su punto de vista donde creo que el espectador puede llegar a entender no lo que hace pero entender esa tristeza, ese dolor que tienen."

Tori y Lokita
Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne
Selección EFA

Luc Dardenne:           Desde el inicio, nos dijimos que queríamos dos físicos muy diferentes, primero encontramos a Lokita, es decir Joely Mbundu, y resulta que es muy grande. Para el rol de Tori queríamos a alguien pequeño, para que se puede esconder detrás de los autos, pero hoy los niños de 12 años son grandes, pero él – Pablo- medía 1 metro 44, era perfecto. Cuando nos encontramos, nos dimos cuenta que era flaco, vivaz, siempre en movimiento, tanto así, que a veces nos preguntábamos dónde se había metido, siempre andaba corriendo, nosotros le decíamos ahora vas a correr despacito, vas a trotar, pero no, él corría.
Jean Pierre Dardenne:      "Mientras más débil es el niño, es decir que no tienen padres o no tienen familia, la explotación es más terrible. Dicho esto, ¿Qué podemos hacer nosotros? Lo que tratamos de hacer es mostrar cómo lograron construir un país propio, un país que se llama amistad y cómo la amistad puede combatir, evitar, escapar de todo esto y puede ser una fuente de alegría en sus vidas. Sin embargo, esta amistad tiene sus límites, pese a la belleza que puede tener es muy frágil ya que en un momento el mal gana la partida y uno de los dos muere. Es la primera vez que mostramos un arma en una de nuestras películas. Esta muerte es para decir, como lo hace Tori al final de la película: «Si te hubiesen dado tus papeles tu no estarías muerta y yo no estaría solo»."

El triángulo de la tristeza
Ruben Östlund
Sección EFA

Ruben Östlund
"La idea inicial se gestó hace ocho años cuando conocí a mi esposa. Nos conocimos en Los Ángeles y ella estaba allí haciendo una sesión de moda. Es fotógrafa de moda y sentí mucha curiosidad por su profesión porque es un tipo de industria que has estado observando desde afuera. Y da un poco de miedo esa industria porque es todo lo que está conectado con la belleza, y la belleza también nos dice mucho sobre las jerarquías. Me pareció interesante escuchar a alguien de adentro contarme diferentes aspectos de su trabajo".

"La escena de la cena en el yate fue un caos porque estábamos rodando en un plató que se movía. Teníamos el set construido sobre un gimbal. Así que construimos un comedor, uno de los pasillos y una cabaña que podíamos reorganizar para que parecieran muchas cabañas diferentes. Cuando filmas algo en un set que se está moviendo y pasas como 10 horas al día en ese set, la gente se enferma. Así que parte de la tripulación tuvo que tomar pastillas para el mareo para poder filmar".


The quiet girl
Colm Bairéad
Sección EFA

Colm Bairéad:
"La historia es bastante corta y ligera. Básicamente, no hay una trama. Así que inventé otro capítulo para la historia, concretamente el primer capítulo de la película. Lo creé basándome en los recuerdos de la protagonista que se mencionan en el libro. Sin embargo, lo más importante era centrarse en la atmósfera y en el punto de vista en primera persona. Para mí era crucial encontrar una forma de incorporar este punto de vista. Para potenciar esto, decidí que la cámara no dejase nunca a la protagonista. También quería mostrar que, aunque observar un momento concreto en la vida de estos personajes puede parecer trivial, si lo examinamos de cerca podemos extraer algo hermoso."

"Es una historia sobre el amor. Trata sobre las relaciones de la infancia, que nos forman, forjan y sostienen. El tema del sustento es muy importante. Se trata de crecimiento físico y emocional. En este contexto, quería centrarme en la comida, convertirla en un elemento clave que sirviese como metáfora de ese crecimiento. Cuando la chica llega a la familia de acogida, de repente tiene mucha comida, a diferencia de en su casa. Además, "foster" en irlandés significa "alimento, nutrición". Hay una verdad triste en la obra: no siempre encuentras la felicidad con tu familia biológica."

Godland
Hlynur Palmason
Sección EFA

Hlynur Palmason
"Hace muchos años compré la cámara que se ve en la película. No tenía mucho dinero y aun así decidí comprarla sin saber exactamente para qué la usaría. En 2004 comencé a escribir. Necesitaba cierto impulso o material para crear algo y fueron justamente las siete fotografías al inicio de la película lo que dieron pie a eso. Imaginar todo el contexto alrededor de las fotos y así es como fui construyendo la narrativa, también cómo me fui perdiendo en ella."
"El caballo que aparece es de mi padre y lo filmé en el prado de su vecino. Es relativamente cercano, lo conocí, así que verlo descomponerse y agusanarse, me hizo dudar de muchas cosas, incluyendo cierto sentido de propósito. No hay nada de belleza ahí, pero de repente los gusanos son comidos por las aves y después de un tiempo, particularmente en el verano, el caballo vive nuevamente: nacen flores del cadáver del caballo. De repente, hay tanta vida y muerte al mismo tiempo en él, fue inevitable ver un tema central para la película. El final tiene una cosa extraña: hay una conciencia del tiempo y su paso que realmente quería explorar."

Wändari 
Mariano Agudo, Daniel Lagares
Panorama andaluz

Mariano Agudo

“Esperamos que nuestra película permita dar a conocer la historia del pueblo Harakbut, uno de tantos pueblos originarios que hoy sobrevive gracias a la resistencia cultural que practica. Se trata de un pueblo milenario que fue colonizado por monjes dominicos españoles y el estado peruano en la segunda mitad del siglo pasado y en unas décadas ha quedado al borde de la extinción. La posibilidad de entrevistar a personas que vivieron inmersas en el bosque y con un manejo complejo y sostenible de su territorio, ha sido una motivación especial para nosotros”

miércoles, 16 de noviembre de 2022

384 - El Chacal de Nahueltoro - Miguel Littin 1969

El primer largometraje del chileno Miguel Littin documenta las penurias y crímenes de Jorge Del Carmen Valenzuela Torres, el chacal de Nahueltoro. Con un tono naturalista y con la fotografía sobria, en blanco y negro, de Héctor Ríos. Littín nos acerca a la figura de un criminal al que la sociedad rehabilita en prisión para asesinarlo a los tres años. El protagonista es el actor chileno Nelson Villagra, que se mete en los huesos del campesino con autenticidad y honestidad.

En una secuencia rodada con cámara al hombro en medio del campo el criminal borracho asesina a la mujer que ha conocido, y a sus hijas, una por una. El llanto de un bebé tirado en el suelo aterra. Es una ficción fidedigna con los hechos acaecidos, y una forma de rodar similar a la de un reportaje periodístico, un estilo tan vigente hoy en día, en esta época de docuficción y formatos híbridos en festivales y certámenes.

Padre, ¿qué dice el presidente? Pregunta el condenado a muerte, con la esperanza de un indulto. El cura y maestro le acompañó hasta el último suspiro. El capitán de los fusileros justifica sus demonios ante el periodista. Según el verdugo, hay una explicación razonable, para que la sociedad siga viviendo hay que extirpar el brazo enfermo, el delincuente.

Littín narra los hechos sin subrayados, con una honestidad que duele, que nos deja pensativos, cabizbajos, taciturnos como el desgraciado, zarandeado por todos. Que ha vivido dando tumbos, no aprendió a leer y a escribir hasta que entró en la cárcel. 

El crimen de Valenzuela fue un suceso imperdonable, por supuesto. Y sin embargo, ¿de que sirve reeducar al analfabeto para matarlo después ? 

Esta noche nos despedimos de la madre querida en la cárcel de Chillán…

R G

Zacarías Cotán, Raúl Gallego, Chari Medina y David Velázquez


 

 



















lunes, 31 de octubre de 2022

383 - Dos Semanas en Otra Ciudad - Vincente Minnelli 1962

 El atrezo y el glamour, el vértigo del éxito y la gente de la farándula. Es el cine dentro del cine de la mano de Vincent Minnelli, su segundo film con esta temática tras Cautivos del mal, también protagonizada por Kirk Douglas diez años antes. Una visión desencantada y ácida de un Hollywood trasladado a Europa, a la Roma de Cinecittá, acción recurrente para estudios como la Metro al principio de los años 60, abarataba los costes de producción.  

Minnelli y su operador Milton R Krasner filmaron en zonas turísticas de la capital italiana, paseamos de la mano de Kirk Douglas y su joven amante por la Plaza Navona, la Plaza de España, buscamos al galán desequilibrado, actor principal de la película que se rueda por los barrios del Trastevere, y, desde un balcón, admiramos la Fontana de Trevi. También hay muchos interiores, Minnelli, director prototipo del Hollywood estudio, la mayor parte del tiempo filmaba en decorados , en habitaciones de hoteles, salas de fiesta y suntuosas mansiones. 

Todos quieren sacar tajada del prójimo sin reparar en las consecuencias, mentiras, banalidad, neuras La relación amor-odio entre el director Kruger y su actor favorito, el mismo Andrus le comenta al médico del sanatorio en la secuencia inicial. “Odio y amor, mezclados juntos con mucho hielo y cebolla, al estilo Kruger”.  El actor vivirá un romance con Verónica, una chica demasiado inocente para la cohorte de fieras y hienas en la que se mueve. Ambos saben que su romance no va a ningún lado, se dejan llevar. Andrus desea aniquilar sus demonios en Roma, y si la casualidad hace que tenga que ocuparse de terminar la película lo hará. Aunque su mentor le confiese enfermo de muerte que él también se acostó con Carlota. Andrus vuelve a perder pie en la piscina donde su amigo nadó con su esposa. Otra vez presa de los celos, de sus devaneos con unos y con otros, otra vez a punto de matarse en un accidente de coche con ella de acompañante. La misma belleza y fealdad del film que el equipo de rodaje visiona en la sala de proyección, el patetismo de una borracha arrojada a la piscina,  los Cautivos del mal, del glamour y la dolce vita. 

Esta noche intentamos disimular el temblor de la mano…

Raúl Gallego, David Velázquez y Zacarías Cotán