452 - Festival de Cine Europeo de Sevilla 2025

De nuevo una cita con nuestro Festival de Cine Europeo de Sevilla, descubrimos nuevas fronteras y sensibilidades a través de las películas de las diferentes secciones, la sección oficial, Rampa, Embrujo, Alumbramiento, European Film Academy, una selección de las Nominadas a los Premios de la Academia del Cine Europeo. 

 Raúl Gallego, José Miguel Moreno, Eduardo Aragón Mijangos, crítico desde Méjico y Antonio Navarro, programador del Festival, repasamos lo que más nos gustó de esta edición. La madre Teresa de Calcuta en “Mother” , el traumático proceso en una sala de vistas de “We believe you”, la llamada a una revolución diferente de “La anatomía de los caballos”, la comedia estudiantil italiana de ªA year of School”, los colores luminosos y la oveja rosa de “D J Ahmet”, la industria turca del transplante capilar de “Before/After”, la rebeldía de “Enzo”, la investigación en clave de thriller de “Dossier 137”, el humor ácido de “Un poeta”…además, Raquel Moreno también nos deja su comentario sobre “Dandelion´s Odyssey”, los dientes de león mecidos por el viento entre erupciones, volcanes y terremotos. 

 PD: RIP José Antonio Cienfuegos, el recordado director anterior del SEFF y de otros festivales como el Gijón y la Seminci de Valladolid.

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D J Ahmet

Georgi M. Unkovski

Sección Oficial

Georgi M Unkovski: Siempre trato con personajes que luchan por encontrar su lugar. Empecé con estas cosas que son muy comunes en Macedonia del Norte, donde dos generaciones tienen que coexistir: una que creció de forma muy tradicional, y otra nueva generación que tiene internet, TikTok e Instagram. La minoría étnica Yuruk es la versión más, digamos, extrema de este contraste. Han sido el tema de muchos documentales, y pensé que sería increíble si pudiéramos hacer una película de ficción con ellos. Empecé el trabajo con Ozel Asanov. Gracias a su colaboración, empezamos a trabajar con la comunidad en general. Desde el principio, supe que la película tenía que estar en su dialecto local tanto como fuera posible.

Hubo un momento que estábamos buscando localizaciones, muy arriba en las montañas, en un pueblo muy tradicional que está habitado principalmente por pastores de ovejas y tabacaleros. Caminábamos a pie un rato y luego, entre todos esos edificios de piedra, oímos una música fuerte de drum-and-bass, que venía de una de las casas. En ese momento, me di cuenta de que las cosas que intentábamos hacer no eran completamente ficticias.

Yo te creo

Charlotte Devillers, Arnaud Dufeys

Sección oficial

Arnaud Dufeys: El film trata sobre el proceso judicial por el que pasa una madre que —al principio— parece disfuncional y lleva años atrapada en un entramado de procedimientos judiciales entrelazados que han destruido su núcleo familiar. Nuestra intención consistía en mostrar cómo, poco a poco, la protagonista logra reapropiarse de su voz y de su papel como madre, y queríamos que todo transcurriera a lo largo de una mañana de audiencia.

Devillers: Nos hicimos la pregunta de cómo se percibe la voz de los niños en nuestras sociedades de hoy en día. ¿Cómo se les escucha? Vivimos en un sistema donde solo se tiene en consideración a los adultos, y eso era algo que queríamos resaltar. Mantener a los niños fuera de cámara es también una forma de mostrar que se habla de ellos, sobre ellos y en su lugar, pero no se les da credibilidad. Se les escucha muy poco o nada. Sin embargo, ¡se llaman tribunales de menores! Además, cuando se trata de niños, la violencia es tan sensorial que no basta con el uso de las palabras para describir su experiencia.

La hija pequeña 

Hafzia Herzi

Sección oficial

Hafsia Herzi: Me ofrecieron esta adaptación, y lo cierto es que fue amor a primera vista. Nunca había visto a este personaje en el cine, pero sí en la vida real. Como crecí en los barrios del norte de Marsella, conozco bien a este tipo de chica lesbiana que vive en la periferia. Aun así, la idea de la adaptación me daba algo de miedo, porque la novela había tenido una muy buena acogida y las adaptaciones cinematográficas no siempre salen bien. Pero decidí lanzarme.

Primero descarté toda la parte de la infancia, que tiene mucho peso en el libro, pensando que al ver a su familia se entendería qué tipo de infancia había tenido. Reuní todo en el arco de un año de su vida y seleccioné lo que más me inspiraba del libro: el personaje de una joven lesbiana, musulmana, en conflicto con su fe, con deseos, en busca de sí misma… En definitiva, una chica que se siente mal por dentro porque se percibe diferente, porque sabe que siempre le han atraído las mujeres. Pero luego está la sociedad, ya que también se culpa por su familia y por su religión.

La anatomía de los caballos

Daniel Vidal Toché

Sección oficial

Vidal Toché

Esta historia surgió en un viaje que hice hace mucho tiempo a Puno. Era para otro proyecto cinematográfico que no salió adelante. Decidí quedarme un poco más de tiempo. Lo que ocurre en esa zona es que la gente habla de la revolución como si acabara de ocurrir. Hay una relación muy particular con esa temporalidad, con esa herida y la propia cultura quechua tiene una relación con el tiempo muy diferente.

La revolución nos hubiese permitido ser un país. Yo sostengo que Perú no se ha fundado aún, que no existe de alguna manera, que la independencia fue un trato económico republicano. No hay ninguna idea de libertad ni de unión. Sin embargo, en las regiones más alejadas del turismo encontré esas ideas y el hecho de esa cercanía tan brutal con un evento del siglo XVIII daba alguna respuesta sobre lo que podíamos pensar y reflexionar. Así surgió.

Enzo

Robin Campillo

Sección oficial

Robin Campillo: Esta historia, que gira en torno a un joven que siente que no pertenece a la misma clase social que su familia, llevaba rondándole la cabeza a Laurent Cantet desde hacía casi diez años. Empezó a trabajar en ella junto con Gilles Marchand, y escribieron un guion de unas veinte páginas. Luego le diagnosticaron cáncer y, como las cosas podían empeorar, le propuse retomar nuestra colaboración inicial, pero de forma aún más cercana, como si yo fuera su pez piloto. Mi intención no era otra que devolverle un poco de alegría, de impulso. Había leído lo que había escrito, estaba muy entusiasmado y sentía que podía ayudarle, tomar el relevo durante el rodaje con los actores cuando él estuviera pasando por momentos difíciles con el tratamiento, y luego montar la película. Así que arrancamos en una situación complicada, pero con una especie de júbilo por volver a encontrarnos. Fue muy agradable escribir el guion juntos, aunque, por supuesto, hubo momentos en los que estaba muy fatigado. Después hizo el casting de los cuatro actores principales: los dos no profesionales (Eloy Pohu y Maksym Slivinskyi), Pierfrancesco Favino y Élodie Bouchez. Les comunicó bastante pronto que estaba enfermo. Pero, dos meses antes del rodaje, su estado empeoró repentinamente y falleció. Su pareja Isabelle, la productora Marie-Ange Luciani y yo hablamos con él en su habitación del hospital y le transmitimos que nos haría mucha ilusión sacar adelante la película, y a partir de ahí empezamos.

Dossier 137

Dominik Moll

Sección oficial

Moll:  No me siento cómodo en las manifestaciones. Cuando preparaba la película, fui a una manifestación con la policía, y fue un poco extraño. Me pusieron un casco en la cabeza y me protegieron los hombros, y me sentí un poco tonto. Pero también me dio una idea de lo que es estar al otro lado, donde esperas horas y de repente todo el mundo empieza a correr y ni siquiera sabes por qué.

Durante el movimiento de los Chalecos Amarillos, a los agentes les dijeron: 'Esto es la guerra. Esto es un caos. El país está en peligro, y aquí están las armas antidisturbios y las granadas.' Por supuesto que iban a usarlas. No lo digo para justificar comportamientos individuales que deberían ser sancionados y castigados, pero el verdadero problema está en la jerarquía y en el hecho de que las víctimas de esa posible violencia policial no están siendo reconocidas como víctimas.

La vida fuera

Mario Martone

Sección oficial

Mario Martone:   Lo que escribió Sapienza es muy estimulante desde el punto de vista cinematográfico. No queríamos hacer una película llena de información sobre ella, sino más bien un retrato con el verano romano de 1980 como telón de fondo. Un retrato de una escritora con sus criaturas literarias, que son personajes que existieron realmente, pero que adquieren una dimensión totalmente distinta en las novelas de Goliarda. Y todo esto con la intención de abordarlo con la mayor ligereza posible.

Para mí, Goliarda es un poco como el protagonista de mi ópera prima, "Muerte de un matemático napolitano", o como el héroe de Leopardi, un artista incómodo en su época, en su sociedad, que busca una salida. Por supuesto, también tienen algo de autobiográfico, ya que yo mismo, a través del cine, busco evadirme y afrontar la vida. Esto no tiene que ver solo con los artistas: creo que cada ser humano puede sentirse como en una cárcel, y solo la imaginación puede liberarnos, aunque sea durante un paseo por la montaña.

Mother

Teona Strugar Mitevska

Sección oficial

Teona Strugar: Siempre quise convertir a la protagonista en un icono punk. Para mí, es una especie de Robin Hood, tomando de los ricos para dar a los pobres. Tenía verdadera audacia, por eso elegimos a Noomi Rapace para interpretarla, porque es profundamente punk. Y tengo que decir que esta película es una de las cosas más divertidas que he hecho en mi vida. Desde el principio decidimos que queríamos esta libertad punk. La sesión de fotos se organizó en torno a eso. Éramos como niños, con la libertad de no importarnos, de no estar confinados por ideas sobre cómo debería ser una santa o cómo debería ser.

Mientras investigábamos, nos topamos con la historia de este padre del que Teresa fue "separada"; incluso fue exiliada de él a Darjeeling durante mucho tiempo. En un momento dado, incluso pensé que esa era nuestra historia. Admiro su carácter, pero al mismo tiempo estoy desconcertada, especialmente por sus opiniones sobre el aborto. Es el derecho más sagrado de una mujer, el derecho a controlar su propio cuerpo, y también el más personal. Como feminista hoy, no podía dejar de hablar sobre el aborto. Pero hablar de ello también significa intentar entender que Teresa, hace 80 años, formaba parte de una institución católica, así que sí, seguía la doctrina. Tendemos a evitar la controversia en general, pero yo quería afrontarla de frente. La idea es entender a Teresa, no justificarla.

Sueños en Oslo

Dag Johan Haugerud

Sección oficial

Haugerud: "Una de las ideas detrás de toda la trilogía era tener la oportunidad de trabajar con diferentes actores con los que ya había trabajado antes, para escribir papeles para ellos. "Fue una relación laboral muy agradable, así que quería volver a Ella Øverbye y ver qué tipo de cosas podía hacer ahora mismo que fueran relevantes para ella, a su edad. Tenía 16 años entonces, cuando la rodamos".

"Los pensamientos de los personajes se basan en mis propios recuerdos de mi primer amor. Lo recuerdo muy vívido, cómo fue experimentar el primer amor cuando tenía quizá 17 o 18 años, cuando realmente me enamoré. Y todos estos recuerdos forman parte del guion. Y cuando lo escribí, se lo mostré a la actriz. Y luego hablamos de ello. Y se reconoce a sí misma en las líneas. Así que creo que es desde mi perspectiva, aunque se cuente desde su punto de vista. Así que es una especie de colaboración".

Turno de guardia

Petra Biondina Volpe

Sección oficial

Petra Volpe: Queríamos hacer una película muy física desde el principio. Realmente te llega, te da palpitaciones al verla en el cine. Por supuesto, tuvimos que trabajar con mucho cuidado para lograrlo. La preparación de Leonie era muy importante. Ella misma estaba en el hospital y observaba al personal. También tenía una entrenadora, una enfermera de cuidados intensivos con 25 años de experiencia. Leonie practicaba mucho. También se llevó a casa material médico y practicó hasta poder hacerlo. También vimos puesta en escena como un baile: para mí, estas enfermeras son como atletas de alto rendimiento. Sus movimientos se parecen a una danza, los concebimos como una coreografía. El suelo blanco del hospital me parecía una pista de hielo artificial en la que actuaban los atletas.

Escribimos una dramaturgia en escalada desde el principio. Hubo varios desafíos. Contamos la historia de un día de 8 horas en 90 minutos. El objetivo era crear la sensación de que corres con el protagonista durante todo un día. Para nosotros era importante que también hubiera espacio para momentos cálidos y emocionales en medio de todo este estrés. Trabajamos mucho en este equilibrio con el editor Hansjörg Weißbrich.

Todo lo que fuimos

Cherien Dabis

Sección oficial

Dabis: La idea surgió por la transmisión de un trauma intergeneracional. También quería intentar entender cómo se puede curar. Desde el principio supe que iba a ser una historia de abuelo, padre e hijo. En algún momento, también supe que la mujer iba a ser la narradora porque, a menudo, en las culturas, las mujeres son las narradoras y las sanadoras. Cuando escribí el personaje de la matriarca de la familia, Hanan, el personaje que interpreto, sentí que realmente formaba parte de mí. Era como si fuera una antepasada, como un ángel guardián o algo así.

Fui influenciada por mi familia palestina, por mis tías, mientras crecía y visitaba Palestina. Mi padre viene de orígenes muy humildes. Él proviene de una familia de agricultores, así que su conexión con la tierra era muy profunda. Hay una parte de mí que siente una conexión profunda con la tierra.  Es como la presencia que une a todos. Al mismo tiempo que está anclada, también tiene esa cualidad espiritual. Me sentía emocionado por poder explorar esas cualidades de mí misma.

A year of school

Laura Samani

Sección oficial

Samani: 

“La película está inspirada muy libremente en la novela homónima de Gianni Stuparich, que se desarrolla en el liceo Dante de Trieste, donde yo estudié. Fue precisamente en esos pupitres donde leí el libro cuando tenía la misma edad que los protagonistas. "

"Tuve ocasión de releerlo durante el primer confinamiento, porque estaba en casa de mis padres y tenía allí mis libros del instituto. Pensé: “¡Ni siquiera hemos terminado de rodar Piccolo corpo y ya sé que quiero hacer otra película!”.

El último vikingo 

Anders Thomas Jensen 

Sección oficial

Thomas Jensen: 

"He intentado volver a algunos fundamentos en mi narrativa, especialmente después de Jinetes de la Justicia, con sus giros elaborados. Durante el montaje de El último vikingo, mi editora me preguntó por el centro de la historia, y en realidad no creo que haya ninguno. Y esa estructura flexible es algo a lo que he aspirado conscientemente. Sin duda hay similitudes con Luces Parpadeantes, incluyendo los flashbacks de la infancia de los protagonistas. Pero diría que El último vikingo es mucho más oscuro en su psicología. En ese sentido, he ido envejeciendo y ganando experiencia con el tiempo."

"El papel de Mads Mikkelsen es bastante exigente, algo que él mismo sintió al asumirlo, y creo que muy pocas personas podrían lograrlo. Otro aspecto es el potencial comercial que estas personas aportan a las películas, al público le encanta verlas. Un nombre como el de Mads realmente hace maravillas para la financiación."

Los colores del tiempo

Cédric Klapisch

Sección oficial 

Klápisch:

«Es una película que trata frontalmente sobre la importancia del pasado. Como dice uno de los personajes al final del filme: ‘Siempre miraba hacia delante y ahora… me ha sentado bien mirar atrás’. No se puede continuar si no se mira al pasado. Creo firmemente que todo creador debería adentrarse y conocer los legados artísticos de los que viene; aquellos de los que bebe lo que actualmente hace. En ese sentido, un buen pintor debe conocer la historia de la pintura, del mismo modo que deberían hacer los directores de cine».

"La multiplicidad de personajes hace posible que la película hable del colorismo en un sentido cromático, pero también proponga una apuesta simbólica hacia una visión colorida de la vida abierta a múltiples matices».

The Last One for the Road

Franceso Sossai

Rampa

Sossai:  He pasado mi vida en bares, básicamente, desde que era niño. Vengo de un pequeño pueblo en el norte de Italia, donde se ambienta la película. Tenía cuatro calles y diez bares. Lo que me interesa no es el placer de beber; No se trata en absoluto de placer. Los hombres que beben tienen una forma peculiar de hablar: es como si estuvieran todo el tiempo delante de un público. Aunque hablen con una persona, en realidad hablan con todo el bar.

Estos dos montan un espectáculo para Giulio. En realidad es muy dulce y humano: hay fragilidad en tener que actuar constantemente. Normalmente, son personajes de una obra de teatro y conocen sus líneas. Quería ver qué pasa cuando eso se desmorona un poco, cuando se despiertan solos, con resaca, y se ve quiénes son de verdad.

God will not help

Hana Jusic

Rampa

Jusic:  Recientemente hemos visto un resurgimiento de fuerzas tradicionalistas, tanto dentro de la sociedad croata como, en términos más generales. Parece haber una creciente nostalgia por los llamados "valores tradicionales", con un renovado énfasis en roles de género rígidos y normas sociales más estrictas. La región de Croacia donde se desarrolla la película se ha vuelto especialmente simbólica para la extrema derecha croata, que a menudo romantiza la vida tradicional antes de la "opresión yugoslava" para servir a su agenda reaccionaria. Mi intención era desafiar profundamente esa narrativa, presentar una visión crítica, casi visceral. Quería destacar cómo muchos de los mismos problemas subyacentes siguen sin resolver, y cómo personajes como Teresa y Milena podrían ser fácilmente nuestros contemporáneos, navegando por limitaciones y presiones similares. Lo mismo ocurre con Stanko, el antagonista de la película, cuyo papel sigue resonando en el clima sociopolítico actual.

Perla

Alexandra Makarová

Rampa

Makarová:  Vengo de una familia de refugiados rusos en Checoslovaquia, así que este siempre ha sido un tema importante para mí. Mi bisabuelo fue enviado a un Gulag después de la Segunda Guerra Mundial, durante diez años. Solo fue liberado tras la muerte de Stalin. Eso tuvo un gran impacto en mi abuela y su hermana, que fueron reubicadas y vivieron en condiciones horribles en un monasterio, antes de abandonar el país. Durante mi infancia, me contaron muchas historias sobre ello. Supongo que todavía tengo el impulso de entender cómo una familia puede afrontar situaciones realmente traumáticas como éstas y, más concretamente, desde la perspectiva de las mujeres. Para mí era importante contar la historia de una madre y una hija que no necesariamente tienen una relación convencional.

Dandelion´s Odyssey

Momoko Seto

Embrujo

Seto: 

 Mi coguionista, Alain Layrac, y yo queríamos transmitir emociones a estos aquenios. El grande se llama Léonto. Les pusimos nombre porque, al hacerlo, se convierten más en un amigo. Es más valiente, casi como un líder. Taraxa, que siempre cede un poco, presta más atención al entorno. Una vez establecido eso, trabajamos con la animadora principal Guionne Leroy, para descubrir sus movimientos, y luego contratamos a cuatro actores y actrices para encarnarlos. Uno de ellos dijo sobre Léonto: "No es vago; Suele ser muy enérgico. Simplemente está cansado en esa escena porque pesa más que los demás." ¡De verdad le conocía! Guionne también aportó muchos detalles: se doblan cuando no se sienten bien. Cuando están felices, se abrazan.

Cosmos 

Germinal Roaux

Embrujo

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Roaux:  "Viajé mucho a México hace 15 o 20 años, especialmente a Yucatán, y en 2009 hice un trabajo fotográfico con una comunidad maya. Esa luz, esa región tan mágica, despertaron en mí el deseo de hacer las paces con mi miedo a morir".

"El español lo entiendo un poco, pero el maya, en absoluto. Y eso me parece muy interesante, porque me obliga a buscar algo que va más allá de las palabras: lo que ocurre en el terreno de las emociones, la sensibilidad, la presencia y la verdad de una escena, más que en la precisión de la traducción".

Gioa Mia

Margherita Spampinato 

Alumbramiento

Spampinato:  "La película está completamente inspirada en recuerdos de mi infancia. Cada verano, mis padres me enviaban de vacaciones a Sicilia, para quedarme con mis dos tías solteras y eran muy cariñosas conmigo, a diferencia de la tía Gela en la película. Vengo de una familia secular, sin normas, mi madre es muy feminista, mientras que mis tías me llevaban a la iglesia, me obligaban a echar siestas, había un juego formado por rituales en los que me transformaba y para mí era precioso, la única niña entre todas esas mujeres, mis tías y sus amigas,  que incluso cosía mi ropa a mano. Para mí, es un recuerdo muy dulce."

"Al principio, era una niña pequeña. Pero me parecía que estaba perdiendo el potencial cómico que surgiría de la confrontación entre un chico y estas ancianas del sur. El personaje estaba basado en mi hijo y sus amigos, que realmente me hacen reír de risa cuando los escucho hablar de amor, religión o cualquier otro tema. Me gustaba la idea de un niño tan racional enviado a ese mundo mágico, donde las cosas se "sienten", los espíritus existen. Este chico que creció con estas mujeres, que le hacen descubrir un idioma mágico, me pareció fascinante. Jugué con estas creencias y símbolos relacionados con la muerte, la separación y el duelo, que representan el pasado "secreto" de la tía Gela y los miedos del niño sobre separarse de su niñera."

Dragonfly

Paul Andrew Williams

Alumbramiento

Williams:  "Era la idea de observar a alguien pero aún no poder entrar. No aprendí realmente formas específicas de captar estados de ánimo concretos. Los personajes nos invitan como público a entrar en lo que es su vida, así que lo hacemos bastante despacio."

"Andrea es una actriz magnífica — al igual que Brenda y Jason. Lo que más me pareció increíble fue que Andrea pudiera hablar después sobre algo que hizo, lo cual en la sala parecía tan natural, pero ciertos pequeños momentos están realmente muy pensados. Las interpretaciones de ella y Brenda de sus personajes realmente hicieron que la película fuera lo que es."

El cielo de los animales

Santi Amodeo

Panorama andaluz

Amodeo:   Estando en Buenos Aires me puse a leer los relatos de Poissant, y desde el principio vi que, aunque fuera un escritor norteamericano, su universo encajaba de forma natural en Andalucía. Con ‘El hombre lagarto’, el tercer relato de la película, sentí que esta historia que transcurría en Florida podría pasar perfectamente en las marismas del Guadalquivir. ‘La nadadora’, ambientada en una urbanización decadente, me recordaba a las urbanizaciones playeras de Huelva, de Cádiz, de la Costa del Sol. Desde ese punto de vista encajaba perfectamente, pero es que además me recordaba a la forma en la que la cultura andaluza asume la muerte como una parte de la vida. Es una mirada casi vitalista, aunque no lo parezca. Es algo que quería que estuviera en la película y que ya estaba de fondo en los relatos de Poissant. 

Golpes

Rafael Cobos

Panorama andaluz

Cobos:     " El cine quinqui puede ser un buen soporte para hablar de la memoria, pero no hubo una iluminación, sino que primero fue el cine quinqui; es decir, primero decidimos hacer una película relacionada con una banda de atracadores, queríamos hablar del cine de finales de los setenta y principios de los ochenta y queríamos hablar también de los barrios. Y, después, vino la preocupación por dotar a esa historia de algo más, por darle un sentido mayor, que tuviera más trascendencia y, poco a poco, fuimos buscando qué era idóneo para hablar de la memoria."

"Llevo muchos años escribiendo thriller y la intención era darles espacio a los personajes y ser también un poco lírico, encontrar un tiempo distinto a aquel al que nos tiene costumbrados el thriller, que la historia pudiera respirar, que hubiera otro tipo de elementos. El equilibrio no es fácil, pero la intención era esta: intentar ir a la contra de lo que suelen ser los paradigmas y convenciones del thriller, empezando por la estructura y terminando por la música, que no es propia del cine quinqui ni del thriller, es mucho más lírica".

La tierra de Amira

Roberto Jiménez

Panorama andaluz

R J :  "El film es una apuesta por entendernos, por conocernos y por respetarnos, que explora la diferencia entre las personas no como elemento disruptivo, disgregador, sino como punto de confluencia desde el que construir con lo opuesto para enriquecernos como individuos, pero también como sociedad. Vivimos tiempos de radicalización, de extremos, de polarización: o estás con unos o estás con otros. No hay espacio para el diálogo sereno y constructivo. Todo parece diseñado para que nos dividamos y enfrentemos. Y en este complicado contexto aparece “La tierra de Amira”, una película que tiende puentes entre jóvenes y viejos, entre la España vaciada que intenta sobrevivir y la urbana que no la conoce ni la comprende, entre una agricultura ancestral condenada a la desaparición y quienes intentan mantenerse firmes para conservar las viejas semillas heredadas, entre culturas y religiones que se venden antagónicas sin razón alguna, entre aquellos y aquellas que llegan a España buscando la esperanza y quienes los necesitamos para apuntalar el futuro.”